La scène du cinéma○
Il existe une multitude de raisons pour lesquelles un film peut être injustement négligé. Il peut s'agir d'un manque de ressources marketing pour fournir une impulsion substantielle ou, en raison d'un déploiement minuscule, d'un nombre insuffisant de critiques et d'audience pour être les champions dont il pourrait avoir besoin. Cela pourrait simplement être le moment de l'image elle-même; même dans le monde du cinéma en studio, certains longs métrages mettent du temps à obtenir leur dû. Avec un marché de plus en plus encombré, il y a plus de raisons que jamais pour que quelque chose ne trouve pas d'audience et nous avons rassemblé les versions qui méritaient plus d'attention.
Notez que tous les films ci-dessous ont rapporté moins de 500 000 $ au box-office national au moment de la publication - les chiffres Netflix / VOD ne sont pas pris en compte, car ils ne sont normalement pas rendus publics - et sont, pour la plupart, laissés de côté de la plupart des conversations de fin d'année. Malheureusement, de nombreux documentaires seraient éligibles pour cette liste, mais nous nous en tenons strictement aux efforts narratifs ; on peut plutôt lire notre récapitulatif des meilleurs documentsici.
Consultez la liste des 50 ci-dessous, telle que présentée par ordre alphabétique et, dans les commentaires, faites-nous savoir les films de 2018 que vous avez aimés et qui n'obtiennent pas la reconnaissance qu'ils méritent. Une grande partie des titres ci-dessous sont également disponibles en streaming, alors consultez notre fonctionnalitéiciattraper.
On peut aussi suivre la liste surBoîte aux lettres.
24 cadres(Abbas Kiarostami)
Une expérience push-pull par excellence : belle dans ses arrière-plans immobiles mais peu efficace dans les effets superposés ; encadré de manière statique mais ouvert aux variables, à l'expérimentation, aux «accidents» qui font peut-être tous partie d'un plan plus large, selon l'histoire de production que vous obtenez; et passionnant pour son imagination mais aussi un peu ennuyeux dans son suivi. Ce qui, bien : l'esprit a besoin de plus de temps pour s'asseoir, errer, penser par lui-même face à tant de stimuli qui rendent les goûts de24 cadresd'autant plus un produit d'un endroit lointain. Malheur au public chargé de l'œuvre finale du maître cinéaste - sans doute le plus grand vivant de son temps - mais regardez et écoutez sa toute fin. Les derniers instants auraient-ils pu être meilleurs ? –Nick N.
Une fabrique de pain(Patrick Wang)
Avec une petite sortie en salles et sa durée de quatre heures (réparties sur deux parties), il n'est pas particulièrement surprenant que Patrick WangUne fabrique de paina été négligé cet automne, mais il faut le chercher. L'une des meilleures indies américaines de l'année, c'est un regard rivettien sur une compagnie de théâtre du nord de l'État qui jette un regard authentique sur les mécanismes de survie dans les artsetune approche fantaisiste pour montrer la joie de la performance. Je n'imagine pas que tout fonctionnera pour tout le monde, mais il y a trop de morceaux délicieux pour le laisser passer. –Jordan R
La Ciambra(Jonas Carpignano)
Le réalisateur Jonas Carpignano revient avec son premier film depuisméditerranéen(qui a éclaté il y a deux ans dans l'encadré de la Semaine de la critique cannoise) pour nous rappeler que les ordres hiérarchiques des mâles alpha sont inévitables dans certaines parties du monde et que la vie est toujours incroyablement difficile pour les Roms italiens. Examiné à travers le microcosme d'une famille forte de quatre générations dans un petit village de Calabre dans le sud de l'Italie,La Ciambrasuit l'histoire fascinante de la majorité d'un jeune homme nommé Pio (Pio Amato) qui est poussé à l'âge adulte lorsque son père et son frère sont enfermés. –Rory O.(Revue complète)
Les anges s'habillent en blanc(Vivian Qu)
L'un de nos favoris du festival de l'année dernière,Les anges s'habillent en blanca eu une petite course théâtrale l'été dernier. « Pensons au titre du deuxième effort de Vivian QuLes anges s'habillent en blancparce que le sens va bien au-delà des mots eux-mêmes », a déclaré Jared Mobarak dansson avis. "En surface, il décrit simplement l'iconographie religieuse et l'idée que les anges portent des draps blancs fluides avec des auréoles sur la tête et des harpes dans les mains. Mais nous avons pris ce concept et l'avons également transposé dans la vie réelle. « White » est devenu synonyme de pureté, de confiance et d'expertise. Nous voyons une blouse de laboratoire blanche sur un médecin et lui fournissons automatiquement une révérence fondée sur rien d'autre qu'un vêtement. Nous ne les connaissons pas. Nous supposons simplement qu'ils ont nos meilleurs intérêts à l'esprit. Cet éclat blanc ne signifie pas pour autant qu'ils sont incorruptibles. N'importe qui peut être acheté ou vendu malgré les apparences. Tout le monde a un prix.
Arabes(Affonso Uchoa et João Duman)
"Je suis comme tout le monde", écrit Cristiano (Aristides de Sousa), le héros de la classe ouvrière au centre d'Affonso Uchoa et João DumansArabes, "C'est juste que ma vie était un peu différente." Appeler cela un euphémisme serait un euphémisme. Ouvrier d'usine de taille moyenne et d'apparence moyenne dans l'État de Minas Gerais, dans le sud du Brésil, Cristiano est un homme ordinairepar excellence. Ni charismatique ni particulièrement frappant – du moins pas à première vue – il semble si ordinaire qu'il nous faut vingt minutes pour comprendre qu'il estArabesle protagoniste, et non un supplément scintillant. Lorsque nous le rencontrons pour la première fois, il est conduit à son usine sidérurgique; jusque-là, Uchoa et Dumans avaient suivi Andre (Murilo Caliari), un adolescent pensif et livresque vivant avec sa tante Márcia (Gláucia Vandeveld) dans une maison abandonnée près de l'infernale aciérie. Au moment où nous entendons parler de lui, Cristiano a subi un accident de travail invisible et est coincé dans le coma. Invité par Márcia à récupérer ses affaires, Andre arrive chez Cristiano et tombe sur un cahier à spirale que l'homme a utilisé pour transcrire une décennie de souvenirs. –Léonard G.(Revue complète)
Ava(Sadaf Foroughi)
Le premier long métrage fulminant de Sadaf Foroughi,Ava, peut toucher quelques accords parmiPersépolispassionnés. Écolière modèle devenue rebelle, son adolescente éponyme est un mélange déjanté entre l'ado punk noir et blanc de Marjane Satrapi et Vincent Paronnaud etLes 400 coups' Antoine Doinel - une héroïne qui se bat pour réaffirmer sa liberté face à un environnement ultra-conservateur. La scénariste et réalisatrice montréalaise née à Téhéran Foroughi s'inspire de ses souvenirs d'enfance pour évoquer une histoire de passage à l'âge adulte captivante où la relation claustrophobe entre une mère surprotectrice et sa fille adolescente agit comme une synecdoque pour exposer une société patriarcale désireuse de châtier tout ce qui ne respecte pas ses normes rigoureusement contrôlées. –Léonard G.(Revue complète)
Avant de disparaître(Kiyoshi Kurosawa)
Inutile de dire que le meilleur consensus est une métrique horrible, mais il est logique que Kiyoshi KurosawaAvant de disparaîtreest le meilleur consensus depuis le magistral de 2008Sonate de Tokyo: dans ses murs panoramiques toujours en mouvement se trouvent un angle idéalement familier mais surprenant sur le film d'invasion extraterrestre, des vanités jamais entièrement expliquées tout comme leur danger se fait toujours sentir, sans trop d'emphase sur ce que cela signifie être -des angles humains qui entravent beaucoup de son acabit. Est-ce que la chose la plus profonde sous la peau est l'amour ? Bien sûr que non. –Nick N.
Corsé(Joseph Kahn)
L'arrière-plan du clip vidéo de Joseph Kahn a coloré sa réalisation de films ADD pop cinétiques et fulgurants, l'un des plus proches que les films aient jamais ressemblé à ce à quoi ressemble la navigation des pensées et des espaces par le Millennial Extremely Online - je le sais malheureusement depuis expérience.Corséprend ce style précédemment établi dans son riff de slasher post-postmoderne pour adolescentsRetenueun pas de plus en le situant dans le discours actuel des politiques identitaires ; prendre des coups de pot mais aussi souvent considérer les arguments modernes entourant la liberté d'expression et l'éveil performatif. Cela semble odieux et horrible, et il y a des moments où c'est le cas, mais c'est aussi très intelligent et drôle avec la façon dont il présente et digère à la fois l'éventail des pensées sur les sujets (personnellement et politiquement), et finalement Kahn l'utilise pour dessiner un convaincant ouroboros formels de l'impossibilité de comprendre pleinement (et d'en être conscient) les conséquences de vos paroles mais que cela ne vous en dispense pas du tout. –Jos L.
Frontière(Ali Abassi)
«J'ai en moi un amour dont vous pouvez à peine imaginer et une rage dont vous ne croiriez pas. Si je ne peux pas satisfaire l'un, je me livrerai à l'autre. "En un coup d'œil, vous pourriez conclure que cette ligne de Mary ShelleyFrankensteina jeté les bases de presque tous les films de monstres décents depuis que James Whale a adapté le texte en 1931; peut-être même avant. Cette horreur contemporaine délicieusement grungy et éthérée d'Ali Abbasi, d'origine iranienne et basée au Danemark, concerne une romance entre deux créatures qui ressentent les côtés opposés en guerre. L'un tente de satisfaire un besoin d'amour tandis que l'autre se livre à la violence (d'ailleurs, les débuts d'Abbasi pourraient-ilsShelleyporter le nom de l'écrivain du XIXe siècle ?).Frontière, commeFrankenstein, est un travail sur « l'Autre » et sur la manière dont cet Autre pourrait opérer s'il était élevé contre sa nature, ne connaissant que la société humaine. –Rory O.(Revue complète)
noix de coco(Nelson Carlo de Los Santos Arias)
Les fans de cinéma autochtone féroce et stimulant se réjouissent. Ce n'est pas tous les jours que vous voyez un film de et dépeignant la vie en République dominicaine, et encore moins un film aussi intrigant quenoix de coco. Le premier long métrage du scénariste / réalisateur De Los Santos Arias met en lumière une partie sous-représentée du monde et jette un sort vraiment étrange qui déroute et submerge. Juste avertissement: une simple fracture culturelle empêcherait très probablement une appréciation plus profonde du film, mais l'authenticité et l'intensité de sa voix à elles seules s'avèrent passionnantes – voire exténuantes – mémorables. –Zhuo-Ning Su(Revue complète)
Garde(Xavier Legrand)
Une suite captivante du court métrage tout aussi tendu de Xavier Legrand, nominé aux Oscars.t Juste avant de tout perdreest le type de film qui vous laisse sans voix, un fait qui n'est qu'augmenté par son manque de partition et son silence assourdissant. Dans mon espritGardeest le premier film le plus abouti et le plus assuré de l'année avec l'habileté de Legrand à amadouer les performances déchirantes des vétérans (Léa Drucker et Denis Ménochet) et des nouveaux venus (Thomas Gioria) qui n'ont d'égal que ses prouesses techniques pour construire le type de bord de votre -siège de la terreur que mérite cette représentation crue de l'horreur de la violence domestique. Il vous met dans l'état d'esprit désespéré d'une famille qui lutte pour échapper à un monstre. Comme ils retiennent leur souffle dans un état d'anxiété permanent, nous aussi. –Jared M.
Demoiselle(David et Nathan Zellner)
En tant que meilleur western des frères Coen (-esque) à sortir sur les écrans en 2018,Demoiselleest un suivi approprié de 2014 plus Coen-adjacentKumiko, la chasseuse de trésors. Avec le même esprit sec et plusieurs portions de sel, le fantasque bancal des frères Zellner oppose une Mia Wasikowska exaspérée au tueur le plus dévastateur de l'Occident : le patriarcat. Subvertissant les attentes de toutes les manières possibles et utilisant parfaitement la nature maladroite de Robert Pattinson, le charme de Damsel est pleinement exposé avec ses griffes. –Conore O.
Le lendemainetL'appareil photo de Claire(Hong Sang-soo)
En parcourant la filmographie de Hong Sang-soo en termes strictement chronologiques, je suis enclin à les considérer comme une étape logique l'une après l'autre : nous commençons lumineux, ensoleillés, drôles, sortant lentement d'un espace et d'un temps bien définis jusqu'à atteindre un reflux profond et sombre dont la couleur, la vie, est drainée, et nos erreurs nous rencontrent encore et encore dans une boucle de rétroaction perpétuelle. Mais à travers cela, c'est un plaisir toujours vibrant, les images de Hong toujours si soigneusement arrangées pour la distance, comment les acteurs remplissent les cadres, quand le langage corporel contrôle vraiment tout, et pourquoi les échecs les plus durs, sur une chronologie assez longue, sont finalement assez drôles. J'espère qu'il ne s'arrêtera jamais. –Nick N.
Double amant(François Ozon)
L’amant doubleest le genre de film qui ne vous dérangerait pas de voir Roman Polanski tenter sa chance. Tourné dans des intérieurs parisiens chics mais sans âme, c'est le genre de chose que la figure controversée a tendance à savourer: toute la claustrophobie, l'horreur corporelle et les cauchemars sexuels pseudo freudiens. Au lieu de cela, il est entre les mains de son scénariste-réalisateur François Ozon, qui ne parvient jamais tout à fait à élever son matériel au-dessus du domaine du camp psychosexuel. Là encore, peut-être que son objectif n'est pas plus élevé. C'est l'histoire d'une belle jeune femme qui se perd dans un triangle amoureux érotique avec deux jumeaux opposés, tous deux psychanalystes. Selon ce que vous aimez, c'est à peu près aussi amusant que cela puisse paraître. – Rory O. (Revue complète)
Le septième jour(Jim McKay)
Discuter de la manière dont les films de fiction oscillent entre leurs impulsions linéaires entièrement narratives et quelque chose qui se rapproche de l'ethnographie est l'un des aspects les plus éclairants des films si profondément liés à une époque et à un milieu spécifiques.Le septième jour, écrit et réalisé par Jim McKay, est particulièrement franc à ce sujet. Vers le début du film, un ensemble de textes à l'écran localise les événements du récit comme Sunset Park, Brooklyn à l'été 2016, discrètement divisé en jours d'une seule semaine (commençant le dimanche) et le lundi suivant. À la seule exception d'un plan - un cybercafé au Mexique - le film ne quitte jamais ce décor, explorant le dédale apparemment sans fin des rues et les établissements et restaurants juste hors des sentiers battus avec des détails soignés et un œil presque infaillible. –Ryan S(Revue complète)
Cinq doigts pour Marseille(Michael Matthews)
Le réalisateur Michael Matthews et l'écrivain Sean Drummond ont été attirés par les paysages du Cap oriental d'Afrique du Sud lors d'un voyage dans leur pays d'origine, en particulier les échos des environnements cinématographiques classiques de l'Ouest. Apprendre comment ses villes actuelles sont nées – des cendres des villes de l'ère de l'apartheid imitant les capitales européennes par leur nom – n'a fait que cimenter la comparaison, chacune étant le produit des habitants prenant le contrôle une fois que leurs oppresseurs sont partis après que leur gouvernement a changé de mains et que les lignes de train ont été fermées. Cette nouvelle frontière est devenue le décor du couple, leur histoire se concrétisant après sept ans de recherche et de développement pour faire droit à l'histoire et aux luttes des habitants. Saupoudrez un peu de légende et de tradition pour créer un anti-héros caché sous la rage etCinq doigts pour Marseilleest né. –Jared M.(Revue complète)
Gémeaux(Aaron Katz)
Gémeauxest aussi un fantastique néo-noir se déroulant dans leVoleur-inspiré Los Angeles deConduire, une ville à l'envers, telle que capturée dans le générique d'ouverture surréaliste du directeur de la photographie Andrew Reed, où la morale a pratiquement disparu, ne laissant derrière elle qu'un groupe d'êtres fantomatiques piégés dans les limbes de leurs rêves écrasés et de leur insatisfaction. (Le paparazzo de James Ransone est particulièrement merveilleux.) Nous nous demandons, par exemple, pourquoi l'intelligente et perspicace Jill s'est retrouvée comme l'assistante personnelle / femme de main de la star de cinéma gâtée Heather Anderson (Zoë Kravitz) qui l'utilise pour effectuer un sale boulot sous prétexte d'être plus que son employée, mais aussi sa « meilleure amie ». –José S.(Revue complète)
Sorties dorées(Alex Ross Perry)
De nombreux points de repère d'un bon film d'Alex Ross Perry sont présents - attendez-vous à une caractérisation vécue de Brooklyn, à un dialogue plein d'esprit et à des performances subtiles mais émouvantes - maisSorties doréesest aussi incontestablement différent. Se déguisant en tragédie lugubre sur la fragilité de l'ego masculin, l'œuvre finit par se révéler inhabituellement optimiste. Au fur et à mesure que la distribution d'ensemble se déroule, cela devient clair: les trajectoires entre les personnages odieux et les personnages rachetables ne sont pas gravées dans le marbre, et il est possible d'apprendre encore des erreurs du passé même si ce ne sont pas les nôtres. –Jason O.
Bonnes manières(Juliana Rojas et Marco Dutra)
Les contrastes abondent dans le film terriblement captivant de Juliana Rojas et Marco Dutra.Bonnes manières, un film d'horreur pour enfants qui utilise tous les tropes à sa disposition pour évoquer une discussion percutante sur la classe, la race et le désir dans le Brésil d'aujourd'hui. Six ans après leurs débuts collaboratifs,Dur labeur(2011), les scénaristes-réalisateurs reviennent sur le thème des divisions sociales, cette fois pour l'aborder à travers le prisme non conventionnel de la mythologie du loup-garou dans un mélodrame alimenté par la fantaisie qui devrait injecter un sérum revitalisant indispensable dans un genre stagnant. –Léonard G.(Revue complète)
Le Grand Bouddha+(Huang Hsin-yao)
Huang Hsin-Yao est une nouvelle voix du cinéma taïwanais indépendant, et son premier long métrage narratif, une adaptation de son court métrageLe Grand Bouddha–se porte avec tout le vitriol que l'on pourrait attendre de quelqu'un en colère contre l'état de l'industrie cinématographique et du gouvernement taïwanais. Cela se voit dès le début deLe Grand Bouddha+, lorsque Huang s'adresse au public au fur et à mesure du générique, parlant durement des producteurs et faisant une déclaration personnelle. Cette colère persiste partout – un personnage nommé d'après le producteur dont Huang est particulièrement mécontent est même tué d'une manière sombre et humoristique. –Jason O.(Revue complète)
Le coupable(Gustav Moller)
Le coupableest un thriller exaltant et minimaliste qui s'enfonce efficacement, malgré son titre fade et mélodramatique. Dans la veine deLockeetMon dîner avec André, ce n'est pas exactement un one-man show dirigé par Jakob Cedergren, mais fonctionne aussi bien grâce au montage tendu, à la distribution de la voix et aux effets sonores du réalisateur Gustav Möller qui créent une scène obsédante à mi-chemin du film sans une goutte de du sang à l'écran. –Jean F(Revue complète)
Passe une bonne journée(Liu Jian)
Chez Liu JianPasse une bonne journéene sera pas confondu avec rien de moins qu'un film chinois tout à fait contemporain mais, comme le titre pourrait vous le dire, c'est aussi un film imprégné de la culture pop américaine des années 1990. Canalisant les Coen, Quentin Tarantino et Cormac McCarthy, le film de Jian a le fanfaron, le dévouement à l'hommage et la fraîcheur sans effort du cinéma de cette décennie, mais avec beaucoup de choses à dire sur la Chine d'aujourd'hui. L'histoire tourne autour d'une configuration très McCarthy-esque : un sac d'argent a été volé pour des raisons décentes par un gars apparemment autrement décent et - comme c'est généralement le cas dans les romans de McCarthy - une sélection de personnes un peu moins décentes (chacune avec leur propre motif) finissent par le traquer. –Rory O.(Revue complète)
Je ne suis pas une sorcière(Histoire d'oiseau)
Rappelant les polémiques d'Ousmane Sembène, le film zambien de Rungano NyoniJe ne suis pas une sorcièreest une comédie de mœurs d'une facture impressionnante devenue tragédie. Le film est centré sur l'accusation selon laquelle une fillette de 8 ans, Shula (Maggie Mulubwa) se livre à la sorcellerie uniquement parce que les gens de la ville le disent et parce que la fille refuse de confirmer ou de nier si elle est une sorcière. –Jean F(Revue complète)
Les fantômes d'Ismaël(Arnaud Desplechin)
Les fantômes d'Ismaëlest un cinéma radical et bouleversant. Mettant en scène avec une spontanéité radicale qui correspond à l'énergie de chacune des cinq performances centrales, Arnaud Despleschin équilibre frénétiquement les genres de la comédie, du mélodrame et du thriller au sein de ce film et du film-dans-le-film. Les sentiments intenses et passionnés qu'il inspire font que le désordre en vaut la peine. –Jason O.
Jeannette : L'enfance de Jeanne d'Arc(Bruno Dumont)
Il est facile d'imaginer le film "à l'ancienne" de Bruno Dumont sur Jeanne d'Arc ; la foi, le martyre et le paysage de la campagne française s'entremêlant dans une finale déchirante, Bresson et Dreyer ont certainement payé leur dû au cinéma transcendantal. Bien que réalisant peut-être que leurs films n'étaient pas l'alpha et l'oméga en termes de représentation de l'icône française, même si Preminger, Rivette et euh, Besson, avaient également proposé leurs propres prises qui montraient un portrait au-delà du procès et de la gravure ultérieure sur le bûcher, il s'est finalement mis à le faire, mais en tant que nouvel artiste. –Ethan V.(Revue complète)
Laissez bronzer les cadavres(Hélène Cattet and Bruno Forzani)
Les dernières nouvelles des cinéastes français Hélène Cattet et Bruno Forzani (Amer,L'étrange couleur des larmes de ton corps) est un délice cinématographique fétichiste total – un assaut cauchemardesque d'art et d'essai filmé presque exclusivement dans des inserts texturés en gros plan et monté dans une frénésie fascinante de 16 mm de cuir et de coups de feu. Comment quelque chose d'aussi délirant et sanglant queLaissez bronzer les cadavres, un riff d'exploitation totale sur le film de braquage / siège (avec les types de zooms et de fouets qui feraient pâlir Tarantino) est passé largement inaperçu cette année est un peu fou. –Jos L.
La vie et rien de plus(Antonio Méndez Esparza)
Le deuxième long métrage d'Antonio Méndez Esparza est un triomphe social-réaliste et l'un des véritables joyaux cachés de l'année (il est venu et est reparti rapidement pendant le circuit des festivals d'automne, où seule une poignée de critiques l'ont attrapé). Se déroulant dans le nord de la Floride, il suit la mère célibataire Regina (Regina Williams, dans l'une des meilleures performances de l'année) alors qu'elle tente de conserver un emploi dans un restaurant, de s'occuper de son fils adolescent rebelle et d'élever son enfant de quatre ans. fille tout en restant à flot. Esparza réalise avec une approche simple, gardant la caméra verrouillée et fournissant de brèves impressions de la vie de ses personnages pour évoquer la lutte quotidienne de leur existence (le montage, utilisant des coupes elliptiques pour souligner la façon dont les personnages habitent les espaces plutôt que les préoccupations temporelles, est phénoménal) . –C.J.P.
L'amour après l'amour(Russell Harbaugh)
"C'est merdique comme il est facile de surmonter la mort de quelqu'un", déclare Chris (James Adomian) dans le cadre d'une routine de stand-up qui devient personnelle lorsqu'il commence à parler de son père, qui décède vers le début deL'amour après l'amour. La mort est l'événement centripète autour duquel tournent les autres drames du film ; les principaux parmi ces personnages qui sont mis en orbite sont le frère de Chris, Nick (Chris O'Dowd) et leur mère Suzanne (Andie MacDowell). À en juger par la douleur visible que Chris éprouve en essayant de naviguer dans la partie centrée sur le père de sa routine, sans parler de la tension émotionnelle qui imprègne presque chaque instant du film menant à celui-ci, le film reconnaît clairement que surmonter la mort d'un être cher est tout sauf facile. –Jonas J.(Revue complète)
Amant d'un jour(Philippe Garrel)
Moins qu'aucun autre film de cette année n'était aussi exempt de superflu, plus qu'il oriente cette économie d'idées et de sentiments vers la pire période qu'une personne normale traversera à un moment ou à un autre (et puis un autre, puis un autre, et puis…) . MaisAmant d'un journ'est pas un visionnage masochiste, même pas proche : si Garrel - et je ne connais pas de façon insupportable de le dire - fait des films sur ce que c'est que de se sentir vivant à un moment donné, il y a une grande sagesse transmise au spectateur qui regarde d'une certaine distance. Oubliez les chagrins d'amour. C'est comme ça de marcher dans une rue avec un secret qui nage dans votre esprit ; c'est ainsi que quelqu'un qui a toute une vie devant lui se perche sur un rebord de fenêtre ouvert ; c'est pourquoi quelqu'un ne tient pas compte d'une personne qu'il aime. Peut-être. Garrel a passé un demi-siècle à nous dire que nous ne sommes rien d'autre qu'immensément compliqués. –Nick N.
Lu sur le mur(Masaaki Yuasa)
Le réalisateur d'animation japonais Masaaki Yuasa, longtemps une figure culte aux États-Unis, obtient une nouvelle exposition cette année. Suivi de la sortie de sa série par NetflixDevilman pleurnichard, GKIDS a récupéré trois de ses films pour distribution cette année. Un de ceux-là,Lu sur le mur, démontre tout ce qui fait de Yuasa l'un des meilleurs cinéastes d'anime contemporains. C'est une balade énergique, souvent hilarante, toujours visuellement fascinante. –Et S(Revue complète)
La Madeline de Madeline(Joséphine Decker)
Alors que de nombreux réalisateurs révolutionnaires atteignent un tel statut en réalisant un long métrage, Josephine Decker a été acclamée avecdeuxfilms,Tu étais doux et charmantetBeurre sur le loquet,qui a reçu des sorties en salles simultanément en 2014. Marquant son retour à la réalisation de longs métrages narratifs au Sundance Film Festival de cette année,La Madeline de Madelineest un drame d'une spontanéité illimitée alors que Decker examine habilement la maladie mentale et les lignes potentiellement exploitantes qu'un artiste peut franchir lorsqu'il donne vie à l'art. –Jordan R(Revue complète)
Milla(Valérie Massadian)
La représentation intime et honnête de la pauvreté par la réalisatrice Valerie Massadian se démarque des théâtres hollywoodiens conventionnels - ce ne sont pas des «protagonistes de films» tels que nous les connaissons, ils le sont tout simplement. À la fois incroyablement éthéré et brutalement réel,Millagagne patiemment chacune de ses émotions. Les comparaisons avec le travail de Barbara Loden et Chantal Akerman sont justes, mais ne vous y trompez pas, ce travail est toujours étonnamment unique. –Jason O.
Mme Hyde(Serge Bozon)
Serge Bozon adapte « Dr. Jekyll et M. Hyde »au système éducatif français et critique à juste titre les échecs universels de l'éducation publique à taille unique et sa bureaucratie, en appliquant son sens de l'humour merveilleusement absurde, une palette de couleurs aux couleurs vives. sur film, et une performance charmante et maladroite de la légende du cinéma elle-même, Isabelle Huppert. Il n'a pas à se prendre au sérieux - il en dit toujours beaucoup. –Jason O.
NANCY(Christina Choe)
Il est rare de voir une performance aussi forte que celle d'Andrea Riseborough dansNANCY. Écrit et réalisé par Christina Choe, le film concerne une femme d'une trentaine d'années vivant à Oswego, New York, qui commence à soupçonner qu'elle a été enlevée lorsqu'elle était enfant. Suite au décès de la femme qui l'a élevée (Ann Dowd), la titulaire Nancy tend la main à un couple (J. Smith-Cameron et Steve Buscemi) dont la fille a disparu trente ans auparavant, comme elle l'apprend par les nouvelles locales. Prudents mais pleins d'espoir, ils accueillent la jeune femme alors qu'ils tentent de confirmer qu'elle est leur enfant perdu depuis longtemps. Ce qu'ils ne savent pas d'elle va bientôt assombrir les circonstances et compliquer la visite. –Et M.(Revue complète)
Novembre(Rainer Sarnet)
A quoi bon avoir une âme si tout le monde autour de soi n'en a pas ? C'est la question centrale posée par Rainer Sarnet.Novembre, une tragédie estonienne de conte de fées sombrement racontée adaptée du roman d'Andrus KivirähkPlanche de battage. À la base se trouve la romance - le genre basé sur un amour non partagé qui ne portera jamais ses fruits. Liina (Rea Lest) est une paysanne qui essaie d'attirer l'attention de Hans (Jörgen Liik) alors que ses vues sont fixées bien au-dessus de sa stature sociale sur la fille en visite du baron allemand (Dieter Laser) (Jette Loona Hermanis). Ils quittent chacun leur maison la nuit pour regarder l'objection de leur affection, cette dernière se cachant dans l'ombre derrière la baronne alors qu'elle somnambule et la première transformée en loup pour qu'elle puisse espionner à la vue de tous. –Jared M.(Revue complète)
Problèmes personnels(Bill Gunn)
"La tentative d'enterrer Bill Gunn a commencé dans sa vie", a écrit Greg Tate du cinéaste Bill Gunn (Ganja et Hess) dans une pièce de Village Voice en 1989. Gunn, qui a scénarisé le film de Hal AshbyLe propriétaire, est décédé la même année, laissant derrière lui un magnifique catalogue d'œuvres, dont le mélodrame érotique inédit Shop. Son chef-d'œuvre est peut-être l'épopée tentaculaire en vidéoProblèmes personnels, produit à l'origine en 1980 avec l'intention d'être diffusé à la télévision publique. Cela n'est jamais arrivé. Aujourd'hui, près de 40 ans plus tard, la collaboration de Gunn avec le romancier Ishmael Reed arrive enfin sur les écrans, et c'est une révélation. À la suite d'une infirmière de Harlem dont la vie bascule après avoir appris l'infidélité de son mari,Problèmes personnelsest à moitié feuilleton et à moitié mélodrame d'évier de cuisine. Texturé par une couche brechtienne de fantômes de mouvement, complétée par des micros à flèche tombante, le film n'est pas seulement une œuvre unique en son genre d'audace esthétique et de sincérité émotionnelle, c'est aussi une entrée essentielle dans la filmographie d'un pionnier injustement oublié du cinéma afro-américain. . –Tony H
Vengeance(Coralie Fargeat)
Parfois, nous avons besoin d'une bonne gifle. L'une des gifles les plus rafraîchissantes et les plus nécessaires de cette année est une gracieuseté de la scénariste-réalisatrice Coralie Fargeat.Vengeanceest un film féroce, inébranlable mais étonnamment divertissant. Fargeat singe le regard masculin, puis l'oblitère avec une intensité de marteau. Dans presque tous les sens,Vengeanceest accompli; une fable à part entière, Fargeat évoque une imagerie élémentaire pure et coupe chaque instant avec panache. Des paysages de rêve psychédéliques horribles, des tatouages impossibles (et incroyablement géniaux) et des hommes hurlant de pure angoisse sanglante (une joie, je le promets) sont tous liés par la quête absolument juste d'une femme déterminée. Si cela ne suffisait pas, la géographie ingénieusement labyrinthique propulseVengeancele point culminant, une décision angoissante et impressionnante qui se solidifieVengeancecomme un nouveau classique de l'horreur, tout comme il annonce une nouvelle voix au cinéma et signale que la star Matilda Lutz ne doit pas être baisée. –Mike M.
Coeurs marqués(Radu Jude)
Quelques années après sa première première au Festival de Locarno, le drame de Radu Jude est enfin arrivé en salles cet été. À l'époque, Ethan Vestby en a fait l'éloge, disant enson avis, "Comme une autre comédie sèche roumaine de deux heures et demie sur le processus médical, Cristi PuiuLa mort de M. Lazarescu,Coeurs marquésjoue le contrôle que les médecins exercent sur nous dans un état critique pour un maximum d'absurdité, bien sûr la blague des soins de santé désuets soulignée dans le cas du réalisateur Radu Jude.
Cuisine de skate(Cristal Moselle)
Pour son documentaire révolutionnaireLa meute de loups, la réalisatrice Crystal Moselle a découvert un groupe de frères protégés dans le Lower East Side de New York et a capturé leur passion pour le cinéma. Avec un style confus et des choix de réalisateurs douteux, il n'a pas tout à fait été à la hauteur de l'accroche initiale du film, mais Moselle a clairement montré du talent pour établir un lien avec la jeunesse de la ville. Cette dernière qualité continue avecCuisine de skate, qui utilise une toile de fond narrative pour nous placer au centre d'un groupe de skateuses adolescentes - que Moselle a découvert lors d'un trajet en métro - qui dégagent toutes une indépendance insouciante alors qu'elles font de NYC leur terrain de jeu. C'est une telle augmentation de dynamisme, de portée et d'émotion que cela ressemble à l'introduction d'un cinéaste entièrement différent et plus accompli. –Jordan R(Revue complète)
Été 1993(Carla Simon)
J'aimerais qu'il y ait un moyen de commencer cette critique de l'extraordinaire de Carla SimónÉté 1993avec sa scène finale. Pas parce qu'il y a des indices révélateurs ou révélateurs de l'intrigue nichés à l'intérieur (comme beaucoup d'autres merveilleuses entrées récentes dans le genre de l'âge adulte - pensez à Sean Baker'sLe projet Floride–Été 1993 uressemble plus à un conte épisodique qu'à un drame en trois actes bourré d'intrigue et d'action), mais parce qu'il cristallise ce qui fait des débuts de Simón l'un des plus mémorables de ces dernières années : une capacité sans effort à capturer ce que c'est faire face à une tragédie comme celle que subit sa jeune héroïne – la façon dont les traumatismes peuvent être compartimentés, mais peuvent toujours refaire surface. –Léonard G.(Revue complète)
Soutenez les filles(André Bujalski)
Il semble que tout le monde occupe deux ou trois emplois ces jours-ci pour combler l'écart grandissant des inégalités de richesse pour les milléniaux. Toute la richesse du monde entier tombe du ciel dans les grandes poches des mêmes cinq ou six hommes qui contrôlent les plus grandes entreprises du monde. En fin de compte, cela ne sauvera personne à juste titre. Nous vivons et mourons tous et ces jours-ci, nous avons tous des emplois de merde. Le rêve américain est mort depuis longtemps et a été remplacé par l'épuisement américain, et le film d'Andrew Haigh est sur le pouls de cette idée même. Qu'il réussisse à créer quelque chose de si plein de vie et de célébration au milieu de la réalité en décomposition d'une société entière d'employés à faible revenu relève du miracle. Quand tout ce qui reste à la fin de la journée est un chèque qui diminue et plus de factures, tout ce que vous pouvez faire est de crier. Cela n'améliorera pas les choses, mais cela ne peut pas faire de mal. –saule m.
Pays doux(Warwick Thorton)
Gagnant du premier prix de la section Plateforme du TIFF. Christopher Schobert a déclaré dansson avis, "QuoiPays douxle manque de surprises est plus que compensé par une puissance émotionnelle et des images obsédantes. L'arrière-pays a rarement semblé aussi dur et impitoyable. Le réalisateur australien Warwick Thornton, dont le premier long métrageSamson et Dalilaa remporté la Caméra d'Or au Festival de Cannes 2009, réalise ici quelque chose d'assez remarquable. Il a créé un décor de film dans des espaces étranges et grands ouverts qui se sentent également complètement claustrophobes. Sam et Lizzie n'ont nulle part où se cacher, et aucun endroit qui se sent le moins du monde accueillant.
Route du tonnerre(Jim Cummings)
Jim Cummings met en scène comme un acteur : le cadrage souvent large avec un zoom rôdant sur son sujet, son remarquable jeu de rôle principal guidant la caméra. Ce poids de la distance entre le sujet et la caméra confère à son tour de policier déséquilibré d'une petite ville un sentiment de liberté et de spontanéité. Il est également intéressant de voir comment le manque de partition / musique non diégétique dans certaines scènes aide à naviguer dans ce difficile changement de ton de la comédie à la tragédie. C'est une tactique réussie le plus souvent, à l'exception d'une étrange tentative d'humour corporel à la Sandler. Ce qui joue comme une tragédie pour certains peut sembler sombrement drôle pour d'autres. En limitant principalement l'utilisation de la musique à des séquences de transition, Cummings donne à son public la même liberté dont le zoom confère sa performance principale : tout comme il n'y a pas de mauvaise façon de pleurer, comme l'indique un personnage au début du film, il n'y a pas mauvaise façon de digérer ces scènes. Rire, pleurer... tout va bienRoute du tonnerre. –Tony H
Tyrel(Sébastien Silva)
Ne donnant pas aux attentes du public et créant ainsi quelque chose de plus terrifiant dans sa relativité, Sebastián SilvaTYRELsuit un week-end riche en testostérone et l'isolement anxiogène auquel un personnage est confronté. Jason Mitchell joue Tyler, le seul homme noir invité dans une cabane Catskills pour un week-end d'anniversaire, le genre d'endroit où un Père Noël gonflable surdimensionné réside sur la pelouse. Au fur et à mesure que de plus en plus d'alcool est consommé et que des blagues maladroites sont lancées, le sentiment d'ostracisation de Tyler monte en flèche et, avec un œil perspicace, Silva capture chaque minuscule coup, tous profondément ressentis par notre protagoniste sans presque aucun remords de la part de ses compagnons de cabine. –Jordan R(Revue complète)
Loup-garou (Ashley McKenzie)
Le premier long métrage de la scénariste et réalisatrice Ashley McKenzieLoup-garoureprend là où son court métrage de 2012Quand vous dormezlaisser derrière soi. Nous sommes de retour dans la misère canadienne sur le seuil de pauvreté avec un couple qui reste à peine à flot alors que la société et la toxicomanie cherchent continuellement à les entraîner dans un abîme d'âmes oubliées. La frustration abonde alors qu'ils se cachent sous des peaux épaisses nécessaires pour survivre aux gratte-papier bureaucratiques citant des règles et des règlements aux côtés d'une population qui préfère ignorer que donner un coup de main. Vanessa (Bhreagh MacNeil) semble vaincue pour la plupart, Blaise (Andrew Gillis) enragé par un feu de droit qui ne lui fait absolument aucune faveur. Ils devraient être une équipe s'efforçant bec et ongles pour plus. Mais on ne tarde pas à comprendre la relation parasitaire masquée par un amour déchirant et dangereux au travail. –Jared M.(Revue complète)
Occidental(Valeska Grisebach)
Indéniablement, c'est une décision audacieuse de donner un titre à son filmOccidental: d'une part, le mot porte un poids géopolitique et une hégémonie culturelle dont le cinéma est dominé ; cette vérité reste importante au Festival de Cannes, où les hommes blancs dominent la compétition (Occidentalouvert dans le programme encadré, Un Certain Regard). D'autre part, bien sûr,Occidentalimplique une référence cinématographique, un genre en soi. Un genre, pour être clair, avec des tropes à gogo qui sont tout aussi problématiques que l'industrie qui les propage. En intitulant son film en tant que tel, cependant, le film contemplatif et brillant de Valeska Grisebach suscite un dialogue sur toutes ces composantes, nous incitant à une réflexion critique sur leurs intersections. –Jacques H.(Revue complète)
Où est Kyra ?--Andrew Dosunmu
Tant de festivals de films – Sundance en particulier – se sentent extrêmement concentrés sur la vie métropolitaine, New York en particulier. DansOù est Kyra ?, réalisateurAndrew Dosunmutrouve un terrain fertile dans cet endroit usé. Mettant en vedette une contre-type et tout à fait fascinante, Michelle Pfeiffera en tant que titulaire Kyra, le film se concentre sur la tragédie de vieillir en Amérique. –Et M.(Revue complète)
Les garçons sauvages(Bertrand Mandico)
EstLe garçon sauvageindescriptible? Au niveau le plus fondamental,le premier long métrage de Bertrand Mandico ne l'est certainement pas : sa structure et son conflit central sont plus ou moins un croisement direct entre l'histoire rebelle du passage à l'âge adulte et l'aventure maritime. Mais il serait tout aussi trompeur de dire que ce film est en aucune façon obsolète, par cœur ou conventionnel. Car c'est l'une des visions les plus étranges du cinéma narratif de ces dernières années, celle qui ose et réussit autant qu'elle échoue. Dire que c'est bizarre serait un euphémisme. –Ryan S(Revue complète)
Exister(Lucrèce Martel)
de Lucrèce MartelExisterest peut-être la comédie la plus sous-estimée de l'année. Une farce postcoloniale de l'officier impérial espagnol Don Diego de Zama (Daniel Giménez Cacho, dans l'une des meilleures performances de 2018) des affronts banals et des routines quotidiennes dans le processus colonial. C'est la bureaucratie comme un slapstick brutalement tragique - pas très différent, en termes d'humour, de celui des frères Coen.Brûler après lecture—Martel et le directeur de la photographie Rui Poças filmant la série d'humiliations écrasantes de Zama dans des compositions fragmentées qui créent une sensation bizarre d'anxiété en sueur et à l'étroit où, même en position de pouvoir (celui qui lui permet d'imposer sa volonté au peuple indigène du Paraguay) , des sentiments d'inadéquation et de gêne prévalent, confirmant qu'il n'y a pas de fin heureuse pour les travailleurs au sein de ce système. –Jos L.
Mentions honorables
Il y a une poignée de films sur Netflix qui méritent plus d'attention, y comprisVie privée, heureux comme Lazare, etTerre d'habitudes stables– ainsi qu'un film HBO :Le conte. En ce qui concerne les autres Indes méconnues, nous avons également appréciéBlame, PROTOTYPE, Marlina l'assassin en quatre actes, The Party, Hannah, Keep the Change, Ray Meets Helen, Nico, 1988, Museo, Sadie, etQue diront les gens.
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